Per informazioni
http://www.teatrostabile.umbria.it/MediaCenter/FE/articoli/progetti-speciali.html

Progetto di: Elisa Fontana
In collaborazione con: Paola Lilli

Sab / Dom 25 Settembre
H 17:30
Città Giardino / Partenza Paizzale Caos
Duarata 90 min. circa

TARIFFA G

Inversioni Urbane, progetto nato nel corso di FestarchLab 2011, ha portato alla realizzazione di un’audio-guida agli edifici e agli spazi del quartiere Città Giardino, creata attraverso la registrazione delle voci degli abitanti stessi e delle loro storie di vita quotidiana. Il risultato è un racconto che restituisce il respiro della vita di un quartiere, fatta di suoni, voci, esperienze. Nell’ambito di FAST, Elisa Fontana e Paola Lilli organizzano una passeggiata all’interno di Città Giardino, con un momento di ristoro all’interno di un orto del quartiere, per utilizzare insieme l’audioguida e incontrare le persone che hanno partecipato al progetto.

L’audio-guida è gratuitamente a disposizione presso il C.A.O.S. Centro Arti Opificio Siri, Terni anche dopo la chiusura del festival.

Elisa Fontana si occupa di discipline artistiche contemporanee inventando performances, installazioni e giochi. Le sue opere ruotano intorno al concetto di relazione, e si svolgono sempre in stretta collaborazione con i luoghi che le ospitano. Con Wunderkammer Camera delle Meraviglie, Brainstorming Camera di Decompressione per Spettatori, Domini Public Children Version, è stata in diversi festival nazionali e internazionali come FIES (TN), F.I.S.Co. (BO), International Children’s and Youth Theatre festival (Ankar), Spill Festival Of Performance (London), Es.Terni (TR).

Paola Lilli, laureata in Architettura all’Università degli Studi di Roma Tre, è membro di GATR-Giovani Architetti Terni, un gruppo di professionisti uniti dalla passione per il dibattito architettonico e con cui ha realizzato eventi come Festarch Lab in collaborazione con Stefano Boeri e la rivista Abitare. Si interessa di comunicazione, sviluppo e riqualificazione urbana e attualmente è impegnata nel progetto Città Giardino, un piano strategico per la nascita di un quartiere creativo.

www.elisafontana.net

Inversioni Urbane is a project which originated during the FestarchLab 2011 and which led to the creation of an audio-guide to the buildings and the open spaces of the Città Giardino area. Within FAST, Elisa Fontana and Paola Lilli are planning a walk through Città Giardino neighbourhood in order to use the audio-guide together and to meet the people who have taken part into the project

Inversioni Urbane, projet né au cours du FestarchLab 2011, a conduit à la réalisation d’un guide audio aux bâtiments et aux espaces publiques du quartier de Città Giardino. Dans le cadre de FAST, Elisa Fontana e Paola Lilli organisent une promenade dans Città Giardino avec une pause-goûter à l’intérieur d’un jardin potager du quartier pour utiliser ensemble le guide audio et rencontrer en même temps les personnes qui ont participé au projet.

Eva Meyer-Keller & Sybille Müller(DE)
COOKING CATASTROPHES

Performance di: Eva Meyer-Keller e Sybille Müller
Con gli chef: Jim Löfdahl, Kristoffer Nilsson, Andreas Lindberg, Mariana Silva Varela, Filip Zubaczek, Peter Whaley
Live-camera: Marika Heidebäck
Una produzione di: Mossutställningar
In co-produzione con: PACT Zollverein
Con il supporto di: Fonden Innovativ Kultur, Goethe Institute Stockholm

Sab 24 / Dom 25 Settembre
H 22:30
Sala Carroponte

Durata 70 min.
Max 60 persone

TARIFFA M

Cooking catastrophes è una performance, uno show culinario e una rilfessione sul futuro. I“menu catastrofici“ sono elaborati artisticamente, cucinati e alla fine distrutti.  Le artiste Eva Meyer-Keller e Sybille Müller raccolgono diversi sapere accumulati attraverso esperienze in settori trasversali e si confrontano con il divario tra il piacere di mangiare e la paura delle catastrofi. Grazie alla collaborazione di alcuni chef, davanti agli occhi degli spettatori si susseguono una serie di valanghe gastronomiche, eruzioni vulcaniche e esplosioni di portate. L’intero processo è filmato da un’operatrice video e proiettato simultaneamente nello spazio.

Il lavoro dell’artista Eva Meyer-Keller è un’ibrido tra arte visiva e performance. Si è formata allo SNDO di Amsterdam in danza e coreografia e  contemporaneamente ha studiato arte visiva e fotografia tra Londra e Berlino. Oltre alle sue performance, presentate al livello internazionale, porta avanti progetti in rete con altri artisti e si dedica alla videoarte

Sybille Müller ha studiato danza alla Rotterdam Dance Academy e studia comunicazione alla University of the Arts di Berlino. Il suo lavoro fonde diversi linguaggi, dalla danza, al teatro, alla perfromance fino alla scrittura e alla ricerca psicologica.

Sybille Müller e Eva Meyer-Keller iniziano la loro collaborazione nel 2006 con Building After Catastrophes, una performance per adulti e bambini.

www.evamk.de

Cooking catastrophes is a performance, a cooking show and a reflection about our future. The catastrophe menus are artfully confected, cooked and finally destroyed. Artists Eva Meyer-Keller and Sybille Müller collect knowledge from different fields of experience and deal with the discrepancy between the pleasure of eating and the fear of catastrophes.

Cooking catastrophes est une performance, un show culinaire et une réflexion sur le futur. Les “menus catastrophiques” sont artistiquement élaborés, cuisinés et enfin détruits. Les artistes Eva Meyer-Keller et Sybille Müller mélangent plusieurs savoirs accumulés pendant leurs expériences dans des domaines transversaux et se confrontent à l’écart entre le plaisir de manger et la peur des catastrophes

Di e con Radhouane El Meddeb

Grazie a: Marie de Heaulme, Salia Sanou e al French National Dance Centre.

Sab 24 / Dom 25 Settembre
H 19:30
Studio1
Durata: tra 75 e 120 min

TARIFFA M

“In famiglia ho sempre guardato con attenzione mia madre e mia zia mentre preparavano il cous cous. Il nostro piatto nazionale, servito in ogni occasione, matrimoni, circoncisioni e funerali…Uno stesso piatto per occasioni così diverse che scandiscono un’unica esistenza.”

Grazie a questa performance Radhouane torna ad immergersi nelle cose che ama di più: danzare e cucinare. Mentre mescola verdure, semolino carne e spezie lascia libero il corpo trasformando i movimenti in danza. Davanti all’occorrente per preparare il cous cous, Radhouane cucina e danza con tutta la maestosità, generosità e poesia di queste  arti. Tra succo di pomodoro, zucchine, carote e cannella, uno sguardo, un balzo, una sospensione o una rottura. Tra semolino e chassé croisé, il piatto cuoce a fuoco lento. Come una sinsestesia, la coreografia raggiunge tutti i sensi. Gli spettatori sono catturati dal profumo che si espande nell’aria. Aromi e sapori creano una deliziosa confusione di sensi per tutti I partecipanti.

 In Tunisia Radhouane ha lavorato con I pionieri del nuovo teatro tunisino e arabo come Fadhel Jaîbi, Taoufik Jebali,  Mohamed Driss. In Francia ha lavorato con I registi Jacques Rosner, Lotfi Achour e Catherine Boskowitz. Ha recitato in due film di Férid Boughebir. Nel 2005 ha messo in scena Pour en finir avec moi, e nel 2006 ha creato il solo Hûwà, ce lui cui segue nel 2008 Quelqu’un va danser. Sempre nel 2008 crea Je danse et vous en donne à bouffer per il French National Dance Center. Nel 2010 crea Ce que nous sommes e Chant d’amour al Collectif 12, un duo ispirato al primo racconto di Jean Genêt Notre dame des fleurs e al suo film Chant d’amour. Da gennaio 2011 Radhouane è artista associato a 104-Centquatre.

 www.lacompagniedesoi.com

Through this performance, Radhouane immersed once more in the things he love: dancing and cooking. In handling vegetables, semolina, meat and spices, while giving free rein to his body to get back into dance. Close to the idea of synaesthesia, this choreographic offering evokes all the senses. Seated here and there across the performance area, spectators find themselves seized by the perfumes drifting through the air. Smells, flavours – something rarely approached in live shows for the most part – makes for a delightful confusion of the senses for all guests.

Grâce à cette performance Radhouane se plonge de nouveau dans les choses qu’il aime le plus : danser et cuisiner. Pendant qu’il mélange des légumes, de la semoule, de la viande et des épices, il laisse le corps libre en transformant les mouvements en une danse. Comme une synesthésie, la chorégraphie atteint tous les sens. Les spectateurs sont saisis par le parfum qui se répand dans l’air. Les arômes et les saveurs créent une délicieuse confusion des sens pour tous les participants.

Di: foscarini:nardin:dagostin
Con: Marco D’Agostin, Francesca Foscarini, Giorgia Nardin
Disegno luci: Tiziano Ruggia
Musiche: Trio Lescano, The Puppini Sisters, Matthew Herbert
Voci: Caterina Guzzanti, Franco Bragagna
Editing musicale e ambienti sonori: Tommaso Marchiori
Costumi: disegno di Federico Zingano, realizzazione di Federica Todesco
Immagine di copertina: Ilaria Cardinaletti
Segnalazione Speciale Premio Scenario 2011

Ven 23 Settembre
H 21:15
Studio1

Durata 20 min.

TARIFFA S

Loro sono loro.
Loro sono belli.
Loro sono ok.
Loro sanno di essere guardati.
Loro non sanno.
Loro non guardano.
Loro hanno un corpo.
Loro non ce l’hanno.
Loro sono vuoti.
Loro sono uno due tre.
Loro sono uno.
Loro sono tre.

Che cosa vogliono nascondere? Mentono o dicono la verità? Che cosa non è come sembra? Dietro una facciata di salute, un lento disfarsi.

Francesca Foscarini, Giorgia Nardin e Marco D’Agostin si incontrano a Bassano del Grappa nel luglio del 2010. Nell’ambito del workshop Accademia Mobile di Emio Greco si ritrovano casualmente riuniti, con il compito di sviluppare una breve azione performativa. Affezionatisi al risultato di questo lavoro, desiderano proseguirne la ricerca attraverso il progetto Spic & Span.

:foscarini: (1982) danzatrice e giovane coreografa indipendente, finalista al Premio Gd’A Veneto 2009 con Kalsh.
:nardin: (1988) danzatrice laureata presso la Northern School of Contemporary Dance di Leeds (UK).
:dagostin: (1987) attore, danzatore e giovane coreografo indipendente, vincitore del Premio Gd’A Veneto 2010 con Viola.

They are. They are beautiful. They are ok. They know they are being looked at. They don’t know. They don’t look. They have a body. They only use it in one way. They don’t grow up. They are empty. They are one two three. They are one. They are three. What are they trying to hide? Are they lying or are they telling the truth? What isn’t what it seems? Under an apparent health, a progressive undoing.

Coreografia e performance: Lucy Suggate
Un ringraziamento speciale a: Michael Klien e Bush Hartshorn

Ven 23 Settembre
H 21:00
Studio 1
Durata 12 min.

TARIFFA S

Una ricerca che parte dal presupposto che danzare è un pò come surfare. In un panorama performativo ricco di possibilità che si scontrano con i propri limiti fisici, nuove forme approdano alla deriva. Lucy Suggate esplora e mette in luce tutte le sfumature del corpo in movimento nel tentativo di riuscire a far balenare almeno per un momento la complessità e la grazia dell’animo umano. Cavalcando l’atmosfera, carpisce il silenzio e si appoggia ad una colonna sonora che va dai Radiohead a Bach, mescolando inni che la assistano lungo questo viaggio di ricerca.

Danzatrice e coreografa di Leeds, Lucy Suggate attualmente vive e lavora a Copenhagen. Dal 2003 lavora a propri progetti performativi conquistando riconoscimenti internazionali per il suo stile, personale e irriverente. Il suo lavoro ha ricevuto supporti dall’Arts Council England ed è stata artista associata presso lo Yorkshire Dance tra il 2005 e il 2006.  Nel 2006 il suo Postcard è stato selezionato come finalista al Place Prize di Londra.

Nel 2007 Lucy è invitata come artista in residenza dalla Daghdha Dance Company presso la sede della compagnia a Limerik, in Irlanda. Di recente è stata ospite di Dance Base all’Edinburgh Fringe festival, Es Terni  – Festival Internazionale della Creazione Contemporanea in Italia e Dansem 13 a Marsiglia.  E’stata la prima artista di nazionalità inglese ad essere invitata al festival irlandese Gravity and Grace – festival of progressive contemporary Dance e al Brighton Fringe Festival 2011.

During this performance the dancer uses the idea that dancing is like surfing. In a performance landscape of perceptual possibilities that clash with our physical limitations, new forms are delivered every time. Lucy Suggate articulates and exposes the nuance of the performing body and maybe for a second we glimpse the complexity and grace of the human soul. Surfing the atmosphere catching the silence, using a soundtrack ranging from Radiohead to Bach stirring anthems assist her on this journey.

Une recherche qui part de l’idée que danser c’est à peu près comme surfer. Dans un panorama performatif riche en possibilités qui se heurtent aux limites physiques, de nouvelles formes aboutissent à la dérive. Lucy Suggate explore et éclaire toutes les nuances du corps en mouvement en essayant de faire briller, ne serait-ce que pour un moment, la complexité et la grâce de l’esprit humain. En chevauchant l’atmosphère, elle saisit le silence en se servant une bande son qui va des Radiohead à Bach, en mêlant des hymnes qui l’accompagnent le long de ce voyage de recherche.

Creazione e regia: famigliafuché
Con: Martina Bosi, Elisa Canessa, Leonardo Delogu, Olimpia Fortuni, Francesco Laterza, Silvia Mai, Chiara Orefice, Floor Robert, Valentina Saggin, Sveva Scognamiglio, Cinzia Sità, Danilo Valsecchi
Con il sostegno di: Arboreto – Teatro Dimora, Associazione Demetra/Centro di Palmetta, Indisciplina@rte, Festival es.terni, Ass. Culturale Sosta palmizi

Gio 22 Settembre
H 22:00
Teatro Secci
Durata 90 min.

TARIFFA S

Cercare un silenzio per accordarci a frequenze sottili, affacciarsi ad un vuoto, cercare il nome per una creatura che nasce sotto gli occhi di chi l’osserva: questi i binari che ispirano la performance. Figure leggibili come filigrane, colte nella loro esposizione al tempo e allo spazio, calate in un processo vivo di ricerca del gesto, nell’apertura ad un presente generatore di relazioni e sensi inattesi. Lo spazio che si apre al pubblico rende labile e sensibile il confine tra dentro e fuori, accoglie l’elemento spurio, non certifica e si espone al fallimento. È un’incursione nell’inarticolato, il propagarsi di segreti che nemmeno noi possediamo. il loro insieme compone questa danza.
Secondo quaderno: terni è una delle tappe  del progetto di ricerca e di studio al di là del meccanismo produttivo. Dopo un periodo di residenza presso il Teatro Secci di Terni il gruppo apre al pubblico il lavoro attraversato in quei giorni. Non uno spettacolo, non una mèta, ma un’apertura della strada fatta allo sguardo e all’energia di chi vorrà essere testimone.

famigliafuché nasce dall’urgenza d’indagine di 12 artisti che all’indomani della loro comune esperienza di studio, il Corso di alta formazione Scritture per la danza contemporanea diretto da Raffaella Giordano, presso il Teatro Stabile di Torino e L’ Arboreto – Teatro Dimora di Mondaino, decidono di rincontrarsi  con l’intento di proseguire il lavoro, insieme e autonomamente. Ognuno proviene da percorsi artistici differenti nell’ambito della danza, del teatro e della musica e allo stesso tempo condivide i principi e i valori ereditati che fondano la base del loro linguaggio comune.

A performance which wants to tune up low frequencies, to appear at an empty space, to find a name for a creature who is coming to life under the audience’s eyes. A space that opens and exposes itself to the failure. A dance made by a mix of silence and secrets that nobody knows.

Chercher un silence pour s’accorder à des fréquences subtiles, pour se pencher sur un vide, pour nommer une créature qui naît sous les yeux de ceux qui l’observent : voilà les lignes directrices qui inspirent cette performance. L’espace s’ouvre au public et s’expose à l’échec. C’est une incursion dans l’inarticulé, la propagation de secrets que même nous, nous ne possédons pas. L’ensemble de tout cela compose cette danse.

Gio 22 Settembre
H 21:00
Studio 1
Durata: 45 min.

TARIFFA M

“E’ un uomo che dovrebbe essere un bambino, che dovrebbe essere una donna. Mettendo una cosa dentro l’altra, strizzando e rimuovendo  scope e giochi gli uni negli altri. Creando bolle di mondi senza senso. E’ una scimmia che dovrebbe essere un cane che dovrebbe essere un serpente. Organizzando lo spazio, creando nature morte, cercando un senso per tutto ciò che appare arbitrario e forzando un significato a questo ordine di cose”.

Il tentativo di costruire un ordine che sfugge e la volontà di attribuire un senso che sfugge ad una realtà in continuo cambiamento e confusione.

Allege è un trattatello umoristico e filosofico sulle abitudini e le aspettative che tutti noi coltiviamo in un mondo sempre più ansiogeno. Clément Layes sfodera tecniche insolite alla ricerca di un equilibrio perennemente instabile.

Public in private, fondato nel 2008 a Berlino da Jasna Layes-Vinovrski e Clément Layes, riflette e indaga sia sulle strutture sociali, politiche e culturali sia sulla posizione del singolo in queste strutture. Cerca di forzare i confini del linguaggio coreografico attraverso il confronto con altre discipline.

www.publicinprivate.com

It is an old man that would be a child that would be a woman. Putting things into each other, pouring and removing and putting each other into things, mop and toys. Creating bubbles of meaningless worlds, these are very important.
It is a monkey that would be a dog that would be a snail. Directing the space, creating still lives, making sense for everything that still looks arbitrary, forcing meaning into its order. It looks random, but that’s anyway about it.

“C’est un homme qui devrait être un enfant, qui devrait être une femme. Mettant une chose dans l’autre, pressant et mêlant les uns dans les autres des balais et des jeux. Créant des bulles de mondes sans sens. C’est un singe qui devrait être un chien, qui devrait être un serpent. Organisant l’espace, créant des natures mortes, cherchant un sens à tout ce qui apparaît arbitraire et imposant une signification à cet ordre des choses”.

Scritto e diretto da: Oreste Crisòstomi
Dalle memorie di Pierre Rivière
Con: Angelo Di Genio
Musiche: Alessandro Deflorio
Costumi: Costanza Bastanti
Grafica: Silvia Crisòstomi
Produzione: Crossover Production

Mar 20 Settembre
H 21:00
Studio 1

TARIFFA M

Pierre Rivière, giovane parricida del XIX secolo, non è il soggetto di questo monologo, ma un pretesto per arrivare alla rappresentazione di un’aberrante, spietata, cinica, rabbia giovane capace però di rivelarsi anche ironica, immaginifica e di notevole suggestione. Nel monologo l’autore lascia incrociare le storie di più personaggi. La frase finale “Volevo un juke box, ma niente…” è di Roberto Succo e venne gridata ai giornalisti dal tetto del carcere di Treviso dove improvvisò una formidabile pièce del nonsense. Il gioco efferato del gatto che infierisce sul topo agonizzante, l’innocenza dell’abominio. Non a caso Michel Foucault ha concentrato le sue ricerche sulle memorie di Rivière: sono pagine di sorprendente attualità, chiave di lettura di molti fenomeni del presente.
Oreste Crisòstomi è laureato in Scienze e Tecnologie della Produzione Artistica presso l’Università di Perugia. Nell’ambito del Progetto Mandela di Terni ha partecipato, come attore, a diverse rappresentazioni. Nel 2006 si diploma alla Scuola di Teatro Mumos di Gastone Moschin. La collaborazione con la scuola prosegue nel 2006 quando esordisce nella regia teatrale con Commedia e Dondolo di Samuel Beckett, con la partecipazione di Marzia Ubaldi. Nel 2008, mette in scena lo spettacolo teatrale Norma, ispirato alla vita e al mito di Marilyn Monroe. Nel 2010 esce Alice, opera prima per il Cinema, distribuita da Medusa Film.
Alessandro Deflorio è Pianista, compositore, arrangiatore che contamina formazione classica e sperimentazione elettronica. Ha lavorato con etichette come George V, Irma, Undiscovered ltd,Y3K1,H Squared,Montecarlo. Attualmente scrive musica per cinema, televisione e teatro (Warner Chappell, Rai).
Angelo DiGenio è diplomato all’Accademia d’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano. Attualmente collabora con il Teatro dell’ Elfo di Milano e sarà a breve impegnato in The History Boys di Alan Bennett di Elio De Capitani e Ferdinando Bruni e Freddo di Lars Noren, regia di Marco Plini.

Pierre Rivière, young parricide of XIX century, is not the subject of this monologue, but an excuse to arrive at the representation of a pitiless, cynical badland, able also to be ironic, imaginative and loaded with fascination. In the monologue the author mixed the stories of more characters. A brutal game that reminds the cat playing with a dying mouse, the innocence of abomination.

Pierre Rivière, jeune parricide du XIXème siècle, n’est pas le sujet de ce monologue, mais plutôt un prétexte pour représenter une colère jeune, aberrante, féroce, cynique, mais capable aussi de se révéler ironique, imagée et suggestive. Dans le monologue l’auteur laisse que les histoires de plusieurs personnages se croisent.

Ideazione, regia, scene, luci, musiche originali e sound design: Davide Sacco
Drammaturgia: Davide Sacco, AgataTomsic
Preziosa collaborazione e introduzione al Kounelaki: Cliò Efthimia Agrapidis
Voci: Alice Protto, Davide Sacco
Presenze: Davide Sacco, Agata Tomsic e Elisa Cuciniello
Progettazione e realizzazione scenografe: Nicola Fagnani (Atelier Operaovunque)
Collaborazione costumi e make-up: Laura Dondoli
Anima: Luigi de Angelis, Chiara Lagani, Ermanna Montanari
Si ringraziano: Galleria Ninapì, Teatro delle Albe – Ravenna Teatro
Supporto indispensabile: Fanny & Alexander
Produzione: Davide Sacco

Mar 20 / Merc 21 Settembre
H 19:00 / 22:30

Gio 22 / Ven 23
H 17:00 / 19:00

Sab 24 Settembre
H 17:00

Sala dell’Orologio
durata 60 min.

TARIFFA S

Lo spettacolo si svolge in spazi di ridotte dimensioni. E’ previsto buio persistente e l’impiego di luci stroboscopiche

Una ragazza, forse è una bambola? Trascina i suoi ospiti all’interno di una casetta nera… La sua stanza dei giochi? Voci…in un buco nero…Gli ospiti-voyeur assistono ai discorsi e ai racconti di due ragazzini, chiusi all’interno della loro casa-rifugio, e all’irruzione improvvisa del seducente e malefico estraneo…o forse stanno assistendo agli incubi di questi due fratelli? o forse si ritrovano di fronte ai propri incubi?
Buio, apparizioni impalpabili, irreali, presenze fantasmatiche, ricordi, incubi materializzati… Il mostro delle peggiori notti dell’infanzia. È una maschera? E cosa ci nasconde?

ErosAntEros nasce dall’unione tra Davide Sacco e Agata Tomsic. Nell’estate 2009, Davide Sacco, già compositore con Teatro delle Albe e performer con Fanny & Alexander, crea il primo embrione di asprakounelia (Treno Fantasma). Durante i mesi successivi, la crescita dello spettacolo è accompagnata da preziose collaborazioni che ne segneranno la realizzazione. Il primo incontro con Agata Tomsic, formatasi tra studi universitari di teatro ed esperienze laboratoriali, avviene in una città di cartone, grazie a un fortunato laboratorio di Motus, a Ravenna, nel Gennaio 2010. Dopo il debutto dello spettacolo, nel Maggio 2010, i due danno vita a ErosAntEros.

www.erosanteros.org

A girl… Maybe a doll?…pulls her guests into a little black house… Her room of games? The invited-voyeurs attend conversations and stories of a brother and sister locked in their house and the raid of a seductive and evil stranger…
The dark, ghostly, ethereal, unreal apparitions, hostly presences, memories, materialized nightmares, the worst monster of childhood nightmares…Is it a mask?… What does it hide?

Une fille. Peut-être c’est une poupée ?

Elle traîne ses invités dans une petite maison noire… Sa salle des jeux ? Les invités-voyeurs assistent aux discours et aux récits de deux gamins, enfermés dans leur maison-refuge, et à l’irruption inattendue d’un étranger séduisant et maléfique… Noir, apparitions insaisissables, irréelles, présences fantasmatiques, souvenirs, cauchemars qui se matérialisent… Le monstre des pires nuits de l’enfance. Est-ce que c’est un masque ? Et qu’est-ce qu’il nous cache ?

Di: Riccardo Spagnulo
Con: Mino Decataldo, Licia Lanera, Marialuisa Longo, Simone Scibilia, Riccardo Spagnulo
Voce narrante: Rossana Marangelli
Luci: Giuseppe Dentamaro
Realizzazione scene: Mimmo e Michele Miolli
Sartoria: Modesta Pece
Assistenti alla regia: Elio Colasanto, Rossana Marangelli
Regia, spazio, scene: Licia Lanera
Produzione: Fibre Parallele
In coproduzione con: Festival Internazionale Castel dei Mondi di Andria e il Festival  Operaestate di Bassano del Grappa
Con il sostegno spaziale economico ed emotivo di: Res Extensa, Ass. Cult. Explorer, Es. Terni Festival, PimOff

Dom 18 Settembre
H 22:30
Teatro Secci
Durata 50 min.

TARIFFA M

Duramadre è una favola che fa paura, è aridità e gelo, è una favola che sembra raccontare di un futuro senza futuro. Siamo schiacciati da una realtà materiale fetida, in cui sono già chiari i segni della dissoluzione della materia. Una realtà cadaverina, putrescente, che si aggrappa con unghie e denti ai nostri corpi e li porta giù nel profondo di un abisso sciocco e tossico. Non abbiamo il benché minimo interesse in tutto quello che accade nel presente, perché tra non molti anni ce ne saremo dimenticati. Duramadre è questa terra che vomita e si ribella. Possiamo solo raccontarla attraverso una vecchia rancorosa, che sputa catarro e sentenze, una matriarca che ama i propri figli fino a volerli vedere morti. La possiamo raccontare solo attraverso un gioco che finisce con la morte.

Fibre Parallele nasce nel 2005 dalla collaborazione di Licia Lanera e Riccardo Spagnulo. Nel 2007 producono Mangiami l’anima e poi sputala, selezione Premio Scenario 2007 e finalista al premio internazionale Vertigine 2010. Nel 2008 debuttano con DUE, progetto selezionato alla finale del concorso EXTRA e vincitore del primo premio Fringe/L’Altrofestival al 18° Festival Internazionale del Teatro di Lugano in Svizzera. Nel 2009 ha debuttato Furie de Sanghe – Emorragia cerebrale, vincitore del bando Nuove Creatività promosso dall’ETI. Nel 2011 Fibre Parallele debutterà con due nuovi lavori Have I None e DURAMADRE. Fibre Parallele vince il premio nazionale Hystrio-Castel dei Mondi 2011.

www.fibreparallele.it

Duramadre is a scary tale, it is dryness and freeze, it is a tale that seems to talk about a future without future. Duramadre is the earth that vomits and rebels. It just can be told by a spiteful old woman, a pontificating matriarch who loves her children till the point of wanting them dead. This tale can be told just through a play ending with death.

Duramadre est une fable qui fait peur, c’est aridité et froid glacial, c’est une fable qui semble nous parler d’un futur sans futur. Duramadre est une terre qui vomit et se rebelle. On ne peut la raconter que par une vieille rancunière, qui crache du catarrhe et des jugements, une matriarche qui aime ses enfants jusqu’à vouloir les voir morts. On ne peut la raconter que par un jeu qui se termine avec la mort.

Dom 18 Settembre
H 21:00
Sala dell’Orologio
Durata: 80 min.

TARIFFA M

Portraits in Motionè un flip-book fotografico per il cinema dell’artista berlinese Volker Gerling. Vagando senza sosta, Gerling realizza ritratti fotografici delle persone che incontra. Un uomo anziano che vuole rendere il mondo migliore e rischia di morire mentre ci prova, una senza-tetto il cui unico desiderio è rivedere i figli per l’ultima volta, una giovane donna che decide di cambiar vita nel corso di una vacanza. Gerling descrive questi incontri e dà loro vita mentre sfoglia le loro foto sotto la lente di una videocamera proiettandole poi su uno schermo. Questi studi stimolano una riflessione delicata e profonda sulla transitorietà di ogni attimo e sul senso degli incontri interpersonali.

Volker Gerling (1968) vive a Berlin. Ha studiato regia e cinematografia alla Film Akademy Konrad Wolf a Potsdam-Babelberg. Gerling scopre il flip-book fotografico, un linguaggio a cavallo tra fotografia e il cinema, nel 1998 e lo adotta come strumento cardine della sua sperimentazioe. Ha realizzato numerose mostre e performance in Germania, Francia, Svizzera, Italia, Belgio, Singapore, Paesi Bassi, Ucraina, Austria, Romania, Polonia e Canada.

www.daumenkinographie.de

Portraits in Motion is a piece of photographic flip–book cinema created by Berlin–based artist Volker Gerling. Wandering extensively on foot, Gerling creates photographic portraits of the people he meets. Gerling describes these encounters and brings his protagonists to life as he flips through their photographs underneath a video camera lens and projects the images onto a screen. These magical studies inspire gentle but profound reflection upon the transitory nature of the moment and the significance of interpersonal encounters.

Portraits in Motion est un flip-book photographique pour le cinéma de l’artiste berlinois Volker Gerling. En errant sans cesse, Gerling réalise des portraits photographiques des personnes qu’il rencontre. Il décrit ces rencontres et les fait vivre pendant qu’il effeuille leurs photos sous la lentille d’une camera, en les projetant sur écran. Ces recherches stimulent une réflexion délicate et profonde sur le caractère transitoire de chaque instant et sur le sens des rencontres interpersonnelles. 

Con: Anna Gualdo, Valentina Beotti, Andrea Pizzalis, Giuseppe Sartori, Anna Terio
Movimenti: Marco Angelilli
Assistente regia: Elisa Menchicci
Regia: Stefano Ricci
Una produzione: ricci/forte
Con la collaborazione di: Benvenuti srl ed il sostegno di “Sviluppo delle attività di teatro e danza in Puglia – Produzione di nuovi spettacoli in prima nazionale”, fra le azioni strutturali del POR FESR 2007/2013 programmate dalla Regione Puglia e affidate al Teatro Pubblico Pugliese

Sab 17 Settembre
H 22:30
Teatro Secci
Durata 80 min.

TARIFFA L

Grimmless è la fiaba. Fiaba come transizione infantile verso l’età adulta. Fiaba come polmone d’acciaio per sopportare, da cresciuti, una quotidianità più affilata delle unghie di qualunque matrigna. Fiabe per nonni e nipoti, ognuno con il proprio bagaglio di desideri, aspettative e frustrazioni pronte a spiccare il volo verso una materializzazione dei bisogni. Che non sempre avviene. Perché le nostre giornate non sono scritte dai fratelli Grimm. Non hanno lieto fine. Non ci sono artifici abusati e fazioni manichee: buoni da una parte, cattivi dall’altra. Ci siamo noi. Fratturati. Ribaltati. Senza Sconti. Grimmless. Senza Grimm, appunto.

ricci/forte partecipano a diversi festival in Francia, Inghilterra, Germania, Croazia, Slovenia e Romania. Formatisi alla New York University, studiano drammaturgia con Edward Albee. Hanno vinto i premi Studio 12, Vallecorsi, Fondi-La Pastora e Hystrio. Il loro primo lavoro è Troia’s discount del 2006. Nella stagione 08/09 Ploutos, prodotto dal Teatro di Roma, ottiene il premio della Critica come miglior drammaturgia Biennale Teatro/Venezia. Nel 2009 debutta Macadamia nut brittle e nello stesso anno, in co-produzione con CSS di Udine, Pinter’s anatomy. Nel 2011, con il sostegno del TPP, presentano la loro ultima creazione Grimmless. L’edizione integrale del progetto Wunderkammer soap sarà, al RomaEuropa Festival a Ottobre di quest’anno.

www.ricciforte.com

Grimmless is the fairytale. Fairytale, as a childhood transition towards adulthood. Fairytale, as an iron lung to help us bear, as grown-ups, an everyday life which cuts sharper than any stepmother’s fingernails. Fairytales for grandparents and grandchildren, each with their own baggage of  desires, expectations and frustrations that are ready to fly off towards a materialization of their needs.  Which doesn’t always take place. Because our days haven’t been written by the Grimm brothers. They have no happy ending. Nor have they worn-out artifices or Manichean factions: the good on one side, the bad on the other. There is only us. Fractured. Knocked over. With no discounts allowed. No ordinary fairytales. Grimmless, indeed.

Grimmless est une fable. Fable comme transition infantile vers l’âge adulte. Fable comme poumon d’acier pour supporter, une fois grandis, une quotidienneté plus affilée que les ongles de n’importe quelle marâtre. Des fables pour grands-parents et petits-enfants, chacun avec son bagage de désirs, d’attentes et de frustrations prêtes à prendre leur envol vers la matérialisation des besoins. Ce qui n’arrive pas toujours, car nos journées ne sont pas écrites par les frères Grimm. Elles n’ont pas de fin heureuse. Il n’y a pas d’artifices abusés et de factions manichéennes : les bons d’un côté, les méchants de l’autre. C’est nous qui sommes là-dedans. Fracturés. Renversés. Sans facilitations. Grimmless. Sans Grimm, justement.

Ideazione, regia e performance: Maria Caterina Frani e Caterina Poggesi.
Drammaturgia originale: Martino Ferro
Cura del suono: Saverio Damiani
Produzione: Fosca, Assessorato Politiche Giovanili Comune di Firenze Emergenze Creative2009

Sab 17 Settembre
18:00
CAOS – Museo A. De Felice
60 min.

TARIFFA M

Una sorta di campo magnetico straordinario, che non ha effetti sulla salute degli esseri viventi, blocca tutti gli apparecchi funzionanti ad energia elettrica: telefoni, televisioni, radio, computer, auto, aerei, ospedali, illuminazione, frigoriferi. Così d’improvviso certe voci – che in un altro tempo sempre hanno parlato e che sempre sono state ascoltate – ricominciano ad essere udibili: una desolazione desolante, un’impossibilità dell’altro, un esser idioti per dimenticare. Nel deserto immaginifico di un’ipotetica fine del mondo così come lo viviamo quotidianamente, emerge il suono antico legato a due donne che insieme si trovano e abitano un buio. Le due performer, attraverso i loro corpi, la voce e le strumentazioni, eseguono un live che traccia la partitura sonora di un radiodramma inedito, fruibile sia dal pubblico in sala, sia in diretta radio da chi vorrà ascoltarlo altrove.

All’interno delle varie iniziative di Fosca – nata nel 2006 e costituitasi come Associazione Culturale nel febbraio del 2008 – ogni volta collaborano artisti e neofiti diversi, legati ai tratti specifici dell’opera. Il progetto Fosca è una rete in continua definizione che mira a creare spazi di indagine e riflessione nella cultura contemporanea, attraverso creazioni nell’ambito delle arti performative e visive. Fosca vuole essere un insieme di collaborazioni e vissuti, in continua mutazione fra soggetti, linguaggi, territori e ambiti disciplinari. E’ uno spazio mentale che trova la sua manifestazione in azioni concrete nella ricerca artistica e nello studio dei linguaggi della contemporaneità, occupandosi trasversalmente di cultura, educazione, socialità, scienze umane. E’ progetto di creazione, produzione e promozione artistica di spettacoli, laboratori, eventi, momenti di studio, mostre, pubblicazioni, trasmissioni radiofoniche.

www.fosca.net

The ancient sound, linked to two women who live together in the dark, emerges in the highly immaginative desert of a conjectural end of the world, as we live it every day. The two actresses use their bodies, their voices and all the instruments to perform a live which traces the score of an original radio play that can be used by both the audience and the radio listeners.

Dans le désert figuré d’une fin de monde hypothétique, tel qu’on le vit tous les jours, surgit un son ancien lié à deux femmes qui se retrouvent ensemble et ensemble habitent l’obscurité. Les deux performers, à travers leur corps, leur voix et les instrumentations qu’elles utilisent, jouent sur scène traçant la partition sonore d’un radiodrame inédit, dans la salle pour les spectateurs, et en directe à la radio pour ceux qui se trouvent ailleurs.

Creazione di: Graeme Miller.
Prodotto da: Artsadmin.
Co-prodotto da:  Entre Cour et Jardins
Commissione originale di home live art and Wandsworth Council Arts Team for The Shimmy 2010

Sab 17 Settembre
H 17:00 > 20:00
CAOS

Dom 18 Settembre
H 16:30 > 19:30
Parco Fluviale

Durata 10 min.

TARIFFA G

Track è un’installazione interattiva mobile a contatto con l’ambiente esterno, che attraversa il paesaggio a novanta gradi e lo mette in moto.
Con la faccia all’insù, come fosse una telecamera, il pubblico è guidato lentamente dal un macchinista di ripresa personale che lo fa scorrere su un binario per dolly lungo 100 metri, mentre lo invita a fissare il cielo. Per chi partecipa si crea una sorta di distanza assoluta da tutto ciò che è intorno, edifici o elementi naturali, esterni o interni. Per chi assiste,lo spazio è trasformato dalle tracce che scompaiono e dal continuo movimento ipnotico di chi si stende sul binario e di chi spinge. Un’occasione unica per una vivida riflessione sulla non curanza con cui trattiamo la terra e promuovere un’inversione di marcia.

Graeme Miller è regista, compositore e artista. Inizia a farsi conoscere con il lavoro provocatorio e incisivo del Impact Theatre Co-operative negli anni ’80, gruppo di cui è co-fondatore, mentre oggi il suo lavoro è una sperimentazione trasversale che abbraccia più linguaggi. Sotto il credo di essere un compositore di molte cose tra cui a volte anche la musica ha prodotto performance, danza, teatro, installazioni e molti altri progetti. La sua poetica riflette sul senso del luogo e del paesaggio ed è solito realizzare progetti site-specific appositamente commissionati per specifici spazi e contesti.

www.artsadmin.co.uk/artists/graeme-miller

Track is an environmental work and moveable participatory installation by Graeme Miller that throws landscape through 90 degrees and sets it in motion. Face-up and camera-style, the viewer is smoothly trundled by their individual ‘grip’ on a slow journey along a 100 metre length of dolly track and invited to gaze upwards. A chance to embrace a vivid re-orientation, to look up and wonder at our earthbound clumsiness.

Track est une installation interactive mobile en connexion avec l’environnement extérieur, qui traverse le paysage à quatre-vingt-dix degrés en le mettant en mouvement. La tête vers le haut, comme s’il s’agissait d’une caméra, les spectateurs sont emmenés doucement par un machiniste qui les fait rouler sur une voie pour dolly  de 75 mètres en les invitant à fixer le ciel. Une occasion unique pour réfléchir sur le peu d’intérêt qu’on a pour la terre et pour promouvoir un demi-tour radical.

A cura di: Fosca
Ideazione: Caterina Poggesi In collaborazione con Gogmagog (performance)
E la partecipazione di: Matteo Bennici (violoncello)
Maschere di: Isabella Staino

18 settembre
16:30 > 19:30
Parco Fluviale
Tariffa G

Un luogo di meraviglia sussurrata, dove un soggetto letterario fa da traccia all’installazione. Piccoli elementi scenografici lo reinterpretano e lo delimitano impercettibilmente. Alcuni personaggi del libro abitano lo spazio, altre presenze perpetuano l’atto di leggere la storia, un po’ fra sé e sé, un po’ rivolte a piccoli gruppi di ascolto, secondo gli incontri che avvengono. I personaggi, nel frattempo, agiscono le loro piccole ossessioni e, di tanto in tanto, creano situazioni più condivise dell’agire scenico, che emergono per poi di nuovo scomparire. Alcuni musicisti suonano dal vivo, anch’essi presenze dislocate nello spazio. Il tutto si distribuisce come in piccoli focolai che si spengono e si riaccendono, si spostano e si trasformano, in diverse densità di azione.

E nel frattempo si fa anche merenda, con biscotti e succhi trasparenti, continuando a fruire di questo mondo intatto e delicato. L’intento è di creare uno spazio dell’immaginario da scoprire con tempi dilatati cercando di accompagnare il pubblico complice, attraverso la finzione scenica, nel mondo della letteratura.

All’interno delle varie iniziative di Fosca - nata nel 2006 e costituitasi come Associazione Culturale nel febbraio del 2008 – ogni volta collaborano artisti e neofiti diversi, legati ai tratti specifici dell’opera. Il progetto Fosca è una rete in continua definizione che mira a creare spazi di indagine e riflessione nella cultura contemporanea, attraverso creazioni nell’ambito delle arti performative e visive. Fosca vuole essere un insieme di collaborazioni e vissuti, in continua mutazione fra soggetti, linguaggi, territori e ambiti disciplinari. E’ uno spazio mentale che trova la sua manifestazione in azioni concrete nella ricerca artistica e nello studio dei linguaggi della contemporaneità, occupandosi trasversalmente di cultura, educazione, socialità, scienze umane. E’ progetto di creazione, produzione e promozione artistica di spettacoli, laboratori, eventi, momenti di studio, mostre, pubblicazioni, trasmissioni radiofoniche.

www.fosca.net

A wonderland where a literary subject is the plot of this installation. Little scenographic elements give a new idea of space, several characters of the book live there, other presences perpetuate the act of reading the story, sometimes by themselves, sometimes towards little listening groups. In the meantime, while living in this undamaged and delicate world,  people are having transparent biscuits and juices.

Ideazione, direzione artistica e disegno luci: Ana Borralho & João Galante
Testo: ispirato a frammenti di Rodrigo Garcia
Collaborazione alla drammaturgia e traduzione portoghese: Tiago Rodrigues
Traduzione inglese: Vera Rocha, Mónica Samões
Consulenza artistica: Fernando Ribeiro
Consulenza luci: Thomas Walgrave
Produzione esecutiva: Ana Borralho,Mónica Samões, Miriam Vale
Pre-produzione e produzione in loco: Mónica Samões
Una Produzione di: casaBranca
In co-produzione con: alkantara festival 2010, Museu Colecção Berardo, Útero – Associação Teatral / Espaço Land, CNDC – Centre National de Danse Contemporaine Angers
Supporto: Atelier Real, Grande Cena, IEFP, JGM, VôArte, Centro de Reabilitação e Paralisia Cerebral Calouste Gulbenkian, TNT/Manufacture de Chaussures-Bordeaux
Residenza artistica: Centre National de Danse Contemporaine Angers
Supporto alla presentazione: Culture Programme of the European Union
casaBranca è una struttura fondata dal Ministério da Cultura / Direcção-Geral das Artes

Merc 21 / Dom 25 Settembre
H 19:00 > 23:00
Piazzale Caos

TARIFFA G

Un’installazione performativa dove ci si trova faccia a faccia con una situazione spiazzante: persone stese a terra, ad occhi chiusi apparentemente immobili. Sembra che nulla stia accadendo. In questo spazio vacuo, il visitatore è spinto ad agire: toccando, avvicinandosi e insinuandosi nel mondo interiore dei corpi stesi a terra. Si vuole cogliere un bagliore di questo mondo e in questa nuova intimità si resta disarmanti dalle parole sussurrate tratte da un testo di Rodrigo Garcia.World of Interiors indaga il confine labile tra spettatore e performance cercando di coinvoglerlo nello spazio e nel tempo della performance e nel tentativo di individuare le tensioni che legano l’arte e i codici che regolano la società civile.

Ana Borralho and João Galante si incontrano alla AR.CO di Lisbona dove studiano arte visiva e dal 2002 iniziano a lavorare insieme. Insieme realizzano numerose performance e dal 2004 I loro lavori sono stati ospitati da festival internazionali inportogallo, Spagna, Francia, Italia, Svizzera, Scozia, Germania, Giappone, Emirati Arabi e Brasile. Sono membri fondatori del gruppo di non-musicisti Jimmie Durham e dell’Associazione culturale casaBranca.
Con casaBranca, al momento stanno organizzando il festival di arti performative Verão Azul a Lagos/Algarve in Portogallo. Vivono e lavorano tra Lisbona e Lagos.

www.anaborralhojoaogalante.weebly.com
www.casabranca-ac.com

It’s a performance installation where we are confronted with a disconcerting setting: people lying on the floor, eyes closed, apparently motionless. It seems that nothing is happening. In this emptiness we have no choice but to act, to approach maybe, to touch, to intrude into the intimacy of the bodies lying before us. We seek to move closer to the performers, to get a glimpse of this Interior World.

Une installation performative dans laquelle on se trouve vis-à-vis avec une situation qui désoriente : des gens couchés par terre, les yeux fermés, apparemment immobiles. Il semble que rien ne se passe. Dans cet espace vide le visitateur est induit à l’action : touchant, s’approchant et s’insinuant dans le monde intérieur des corps couchés par terre. On veut saisir un éclat de ce monde et dans cette nouvelle intimité on reste désarmé par les paroles tirées d’un texte de Rodrigo Garcia.

Una performance di: Palle Granhøj
Una creazione realizzata stretta collaborazione con i perfomer: Carina Raffel, Dorte Pedersen, Maxim-Jo MacGosh (sostituito in questa replica da Joy Hall) e Kristoffer Andrup (sostituito da Johan Ohlson)
Musiche originali composte e eseguite da  Laila Skovmand e Robert Karlsson (per questa replica sostituito da Morten Møller)
Co-prodotto da Theaterlabor, Germany and Les Brigittines Festival, Belgium
Con il supporto della Città di Aarhus e del Danish Arts Council

Ven 16 Settembre H 17:30/18:30/22:30
Sab 17 Settembre H 18:00/19:00/22:30

Sala dell’Orologio
Durata: 50 min. circa
Performance per 18 spettatori alla volta
TARIFFA M

Un lavoro intimista sul dare la vita, visto da un’angolazione insolita. Mantenendo un punto di vista dal basso,lo spettatore compie un viaggio in una nuova dimensione e nel corso del quale incontra tre performer, una voce e una viola. Vedere le immagini capovolte permette allo spettatore di maturare un punto di vista inusuale, fuori dall’ordinario che riattiva i sensi e influenza il modo in cui si fa esperienza di ciò che si vede e di ciò che si percepisce

Palle Granhøj è un coreografo danese riconosciuto al livello internazionale per la cifra stilistica personale sviluppata attraverso i suoi lavori negli ultimi vent’anni. Attraverso la Tecnica dell’Ostruzione, il coreografo rimodella i movimenti dei performer, rivelando livelli sommersi nel processo e riportando a galla la dimensione umana. Più che mostrare danzatori e coreografie, il coreografo vuol presentare in maniera immediata e autentica uomini e donne, esseri umani vivi e complessi e i modi i cui interagiscono.

www.granhoj.dk/

An intimate work about giving life, seen from an unexpected angle, from below, during a journey made by the spectator in a new reality, through four stations, meeting three performers, a voice and a viola. A performance presented to the audience from an unusual angle which gives the viewer an extraordinary visual angle, the purpose of which is to activate all of the observers senses and the way they actually perceive what they see and experience.

Un travaille intimiste sur le fait de donner la vie vu d’une perspective insolite. En gardant un point de vue qui part du bas, le spectateur entreprend un voyage dans une nouvelle dimension pendant lequel il rencontre trois performers, une voix et une viole. Voir les images renversées donne au spectateur la possibilité d’acquérir un point de vue singulier, hors de l’ordinaire, qui réactive les sens en influençant la façon dont on fait expérience de ce qu’on voit et de ce qu’on perçoit.

VEN 16 Settembre H 22:00
SAB 17 Settembre H 17:30
Sala Carroponte
Durata 20 min

TARIFFA XS
comprende l’ingresso a tutti gli spettacoli del progetto MINIATURES

L’Aaroussa significa matrimonio in lingua araba. Attraverso i movimenti delle mani,  un ricordo di un giorno di festa. Tutto intorno, fracasso, esaltazione, un momento della vita scandito da lacrime di gioia, canti e risate… Al centro di questa ambientazione frenetica L’Aaroussa, come una sospesione spazio temporale, introduce preghiera e abbandono, cerimonia e improvvisazione. Le mani prendono vita propria con un linguaggio semplice cui si oppone il gesto minimale

Meryem Jazouli ha studiato danza a Parigi con coreografi del calibro di R. Hammadi, J-M Boitière, Christine Bastin e C. Lansselle, con cui collaborera anche all’interno del Cie Zygotte. Nel 1995 torna in Marocco dove si dedica all’insegnamento e realizza alcune performance come Co…incidences, per la coreografa Fatou Traoré e fonda a Casablanca l’associazione AR2D. Nel 2007 realizza La robe de Tantale in collaborazione con la danzatrice e coreografa Mouna Sekkat e incontra il coreografo Bernardot Montet, che da vità a un dialogo costante e sistematico con artisti come Toufiq Izzidiou ( del gruppo Cie Anania), Hassan Darsi (del collettivo La Source du Lion) accomunati dalla volontà di valorizzare visibilità e diffusione della creazione contemporanea nella società.  En 2008 inizia a lavorare al progetto Kelma… un cri à la mère presentato al  CCNT  al festival essonne Danse e al Schaerbeg di Bruxelles. Nel 2010 inizia la collaborazione con Officina struttura coordinatrice del progetto Miniatures.

Aaroussa is the Arabic for wedding. The actor expresses the memory of a joyful day by moving his hands. All around noise, excitement, tears of joy, songs and laughter… In the middle of this frantic setting Aaroussa, like a space-time suspension, introduces prayers and abandon.

L’Aaroussa signifie mariage en arabe. À travers les mouvements des mains, un souvenir d’un jour de fête. Tout autour, du vacarme, de l’exaltation, un mouvement de la vie rythmé par des larmes de joie, des chants et des éclats… Au centre de cette situation frénétique L’Aaroussa, comme une suspension spatiotemporelle, introduit prière et abandon, cérémonie et improvisation. Les mains s’animent dans un langage simple, auquel un geste minimal s’oppose.

VEN 16 Settembre H 22:00
SAB 17 Settembre H 17:30
Sala Carroponte
Durata 20 min

TARIFFA XS
comprende l’ingresso a tutti gli spettacoli del progetto MINIATURES

“ Quando si inizia un viaggio senza una meta definita e ci si imbatte in un altro viaggiatore   che ci riconosce attraverso vibrazioni, ha inizio un gioco di relazioni, colpi senza fine, lanciandosi nel vuoto”. C. Torrent

Una performance che tenta di evocare attraverso il corpo il tema dell’amore come campo di forze, come tensioni nomadi e ambivalenti che patteggiano con il vuoto. Senza inizio né fine, costellazioni fortunate che hanno inizio senza preamboli, corpi familiari e corpi ancora da scoprire. La complessità, l’idea che tutto sia sempre e continuamente da rivedere e da reinventare. Movimenti di alta marea, appena arrivano spariscono evitando la tentazione di colmare il vuoto. Cosa succede nel mezzo? Raggiungere la stessa lunghezza d’onda, mettersi in orbita, fluttuando…

Carme Torrent  ha studiato Architettura all’Università di Barcellona. Ha collaborato con artisti come Alexis Taulé  e Javier Peñafiel. Dal 1996 al 1999 ha lavorato con la compagnia di danza Raravis Andres Corchero – Rosa Munoz e nello stesso periodo ha lavorato con il collettivo di improvvisazione musciale e coreografica IBA di Barcellona. Interessata al laboratorio Climatologia del Corpo di Min Tanaka e Hisako Horikawa sulla base della danza Butoh giapponese, si reca in Giappone e collabora con la compagnia Tokason di Min Tanaka dal 2000-2009. Dal 2001 è parte della Associazione culturale La Sospechosa e dal 2007 al 2008 del collettivo Farda (Platform for creation). Attualmente è tutor e insegnante del programma MACAPD Girona-Ljubljana-Dartington, 2008-2010.  Lavora al suo progetto di ricerca Moving about nothing con l’obiettivo di generare uno spazio collettivo per la riflessione e la pratica artistica.

High Sea movements as soon as they merge they vanish avoiding the temptation to “fill an emptiness”. What happens in between? entering into frequency, putting oneself into orbit, areas of intensity, of gradients, of flows. Relation games, strokes without end throwing, to throw the body into the void.

Des mouvements de haute marée : ils disparaissent dès qu’ils arrivent, en évitant ainsi la tentation de combler le vide. Qu’est-ce qui se passe au milieu ? Atteindre la même longueur d’onde, se mettre sur orbite en fluctuant. Une performance qui, par le biais du corps, essaie d’évoquer le thème de l’amour comme champ de forces, comme des tensions nomades et ambivalentes qui négocient avec le vide.

Gio 15 Settembre
H 22:00
Teatro Secci
Durata: 50 min.
TARIFFA L

Acquasanta è parte de La trilogia degli occhiali, un corpo di tre spettacoli autonomi ma indissolubilmente legati da temi di marginalità: povertà, vecchiaia e malattia. Tutti i personaggi della trilogia inforcano gli occhiali. Sono mezzi cecati. Malinconici e alienati.

“Un uomo si ancora sul palcoscenico, a prua di una nave immaginaria. Sta. Esperto nel manovrare gli ingranaggi che muovono la simulazione della nave, ‘o Spicchiato si salva dalla finta burrasca che mette in scena per rievocare i ricordi della sua vita di mozzo. È imbarcato dall’età di 15 anni e da allora non scende dalla nave. Non crede alla terraferma, per lui è ‘n’illusione. Sopra la sua testa pende il tempo del ricordo: una trentina di contaminati ticchettìano inesorabili. Poi suonano e tutto tace. Il mare smette di respirare e ‘o Spicchiato rivive l’abbandono. Un giorno la nave salpa senza di lui, lasciandolo solo e povero sul molo di un paese straniero: la terraferma. Proprio lui che senza la nave si sente perso, lui che ha votato la sua vita alla navigazione, lui che giorno e notte ha bisogno di parlare con il suo unico grande amore: il mare. Le voci della ciurma, del capitano, gli rimbombano nella testa e ‘o Spicchiato, cantastorie, tira i fili dei suoi pupi. Ma nell’attesa del ritorno della nave, il mozzo, a prua, diventa di legno come polena di un vecchio gallone”. Emma Dante

Emma Dante si forma come attrice all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico”. Nel 1999 costituisce a Palermo la compagnia teatrale Sud Costa Occidentale. Nel 2001 vince, con la compagnia Sud Costa Occidentale, il primo premio del concorso Premio Scenario 2001 con il progetto mPalermu. Nel 2001 vince il Premio Lo Straniero assegnato da Goffredo Fofi, come giovane regista emergente. Nel 2002 e 2003 vince il Premio Ubu con mPalermu e Carnezzeria come migliore novità italiana. Nel 2004 vince il Premio Gassman come migliore regista italiana, il Premio della Critica (Ass. Naz. Critici del Teatro) per la drammaturgia e la regia e il Premio Donnadiscena-Premio nazionale regia. Nel 2005 vince il Premio Golden Graal miglior regia per lo spettacolo Medea. Il 7 dicembre 2010 inaugura la stagione del teatro alla Scala con Carmen di Bizet con la direzione di Daniel Barenboim. Nel 2010 vince il Premio Sinopoli per la cultura.

www.emmadante.it

“A man has anchored himself to the stage, at the prow of an imaginary boat. There he stands. O’Spicchiato survives the mock storm that he plays out on stage so as to recall the memory of his life as a ship’s apprentice. He embarked on a boat at the age of fifteen, and has never stepped off since. He does not believe in land, it is an illusion for him. One day the boat took up anchor and left without him, leaving him alone and poor on the earth. He feels lost without the sea, who has dedicated his life to navigation. But while waiting for the return of the boat, the ship’s apprentice, at the prow, turns into a wooden figurehead of an old galleon”.  Emma Dante

“Un homme s’accroche à la scène, à la proue d’un bateau imaginaire. Il reste là. ‘o Spicchiato se sauve du faux orage qu’il simule pour évoquer les souvenirs de sa vie de mousse. Il s’est embarqué à l’âge de 15 ans et il n’est jamais descendu du bateau depuis. Il ne croit pas à la terre ferme, pour lui ce n’est qu’une illusion. Un jour, le bateau lève l’ancre sans lui, en le laissant seul sur le quai d’un pays étranger: la terre ferme. Lui qui privé de son bateau se sent perdu, lui qui a dédié toute sa vie à la navigation. Dans l’attente du retour du bateau le mousse, à la proue, se transforme en bois comme une figure de proue d’un vieux galion” . Emma Dante

Gio 15 Settembre
H 21:00
Studio 1
Durata: 40 min.
TARIFFA M

Homo ridens è una performance pensata come esperimento su campione, un test sul pubblico‐cavia chiamato a reagire a determinati stimoli che attengono al riso e ai suoi meccanismi. Il progetto rivede e aggiorna i risultati delle proprie ricerche in ogni città e di conseguenza ne prende il nome. L’intento è quello d’indagare l’attitudine umana alla risata, misurandone i limiti e la complessità. Nel riso rinunciamo alla funzione vitale del respiro, nel riso è la parte aggressiva di noi che ci fa digrignare i denti, nel riso è l’intrattenimento del potere ma anche la rivolta popolare. Sappiamo che la coscienza di sé permette all’uomo di vedersi dall’esterno. Sappiamo che la coscienza di sé rende l’uomo consapevole della morte. Ma cosa c’è da ridere?

Teatro Sotterraneo si forma nell’autunno 2004 attorno al progetto 11/10 in apnea che entra a fare parte della Generazione del Premio Scenario 2005.
Negli anni successivi Teatro Sotterraneo produce nell’ordine: Post-it, La Cosa 1 e il Dittico sulla specie composto da Dies irae _ 5 episodi intorno alla fine della specie e L’origine delle specie.
Dal 2008 Teatro Sotterraneo fa parte del progetto Fies Factory One di Centrale Fies e nel biennio 2008-10 è sostenuto dal progetto ETI “Nuove Creatività”.
Nel 2009-10 Teatro Sotterraneo riceve il Premio Lo Straniero, il Premio Speciale Ubu e il Premio Hystrio-Castel dei mondi.

www.teatrosotterraneo.it

The audience is asked to react to certain impulses linked to the laughing and its mechanisms, that’s the aim of Homo Ridens. The reason behind  this experimental performance is to study the human attitude to laughter, measuring its limits and complexity. When we laugh we hold our breath, we show our aggressive side; in laughter is the entertainment of power and the mass of the mass.

Homo ridens est une performance conçue comme une expérience sur échantillon, un test sur un public-cobaye appelé à réagir à des stimulations concernant le rire et ses mécanismes. Le but est celui d’étudier l’aptitude humaine au rire, en en mesurant les limites et la complexité. Dans le rire nous renonçons à la fonction vitale de la respiration, dans le rire c’est notre partie agressive qui nous fait grincer les dents, dans le rire se situe le divertissement du pouvoir, mais aussi bien la révolte populaire.

Vernissage Giovedì 15 H 19:00
+ live set di Abacom System

Venerdì 16 Settembre / Domenica 25 Settembre
10:00 > 24:00
Project Room / FatGallery

“Metti insieme la ferocia dei silenzi di Robert Aldrich, lo sporco blues di Johnny Cash, i freudiani complessi irrisolti di Edipo e uniscili all’asfalto rovente delle più popolose e caotiche metropoli europee: due colori, il bianco e il nero di MP5 che animano e rianimano storie  dove puoi solo immaginare la fine o intuire l’inizio. Uno scomodo senso di attesa dove tutto è già successo o qualcosa tarda ad arrivare. Come se lo spazio fosse l’unica verità che resta.”

 We are all made of Moppets è un’ installazione di disegni, di carta e di vernice pensata appositamente per gli spazi del museo Caos. Dai muri della project room fino agli esterni l’opera si agita con il live set realizzato in collaborazione con il musicista Abacom System e la videomaker Sabota, creando nuovi scenari e suggestioni.

Artista, illustratrice, scenografa e fumettista, MP5 è nota per il suo riconoscibile stile in bianco e nero con cui lavora su carta, su muro e nelle video-animazioni. Ha realizzato scenografie per il teatro e numerose illustrazioni per concerti, riviste, magazine e per eventi queer-feminist. I suoi lavori murali sono apparsi nelle strade e nelle gallerie in Italia, Germania, Croazia, Slovenia e Francia. Ha ottenuto numerosi premi nel campo del fumetto e dell’illustrazione, tra cui il Premio Andrea Pazienza e il Premio Lucca Comics nel 2009. Nel 2011 ha vinto il Premio Micheluzzi al Napoli Comicon come Miglior disegnatrice con il libro Acquastorta.

http://mpcinque.splinder.com
http://www.flickr.com/photos/mp5

We Are all made of moppets is an installation made of drawings, paper and peinture exclusively for the space of the Caos musem.The installation speak and transform the function of utilitarian architecture, altering its function and giving it endless possibilities. The installation meet the live set, in collaboration with the musician Abacom System and the videomaker Sabota.

We are all made of Moppets c’est une installation de dessins en papier et vernis conçue spécifiquement pour les espaces du musée Caos. Depuis les murs de la project room jusqu’à l’extérieur l’œuvre se met en mouvement avec le live-set réalisé en collaboration avec le musicien Abacom System  et la videomaker Sabota, et crée ainsi de nouveaux paysages et suggestions.

Venerdì 16 Settembre
H 19:30
Studio1
Durata 20 min.

TARIFFA S

Due piccoli esseri umani, un uomo e una donna dalle fattezze ridotte, si ritrovano sul grande palco dell’esistenza, nascosti nel loro mistero di vita che li riduce dentro uno spazio sempre più stretto dall’arredamento essenziale, stranamente deforme, alla stregua dell’immaginario dei bimbi in fase febbricitante. Attraversano le sezioni della loro tenera per quanto terribile, goffa e grottesca vita/giornata condivisa. Sembrano essere chiusi dentro una scatoletta di metallo, asettica e sorda alle bellezze di cui sono potenziali portatori, ma un “balzo”, nonostante le gambe molli, aprirà la custodia del loro carillon.

Cristiana Minasi è impegnata nel progetto triennale di Alta pedagogia della scena, diretto da Anatolij Vassiliev. Selezionata dal Gai per Gemine Muse 2009 e finalista del Premio Dodici Donne 2010. Dal 2001 lavora con il Teatro dei Naviganti come attrice e pedagoga. Laureata in Giurisprudenza con lodecon una tesi sperimentale sui temi dell’interpretazione giuridica e dell’improvvisazione teatrale. Giuseppe Carullo comincia la sua collaborazione con C. Minasi nel 2009 per Fragile di Caspanello e Euphorìa di Tirante, segnalato e prodotto da I Teatri del Sacro. Diplomato alla scuola di teatro Teatès (Pa) studia anche presso la Scuola del Teatro Vittorio Emanuele (Me). Dal 2004 lavora con il Castello di Sancio Panza.

Two little human beings, a tiny shaped man and woman stand on the life stage, they are hidden in their own life mystery and it pushes them in an increasingly narrow space. They seem to be closed inside a small metal box which is aseptic and deaf to the beauty they’re potentially holding. It’s just a leap, though their feeble legs, which will make their carillon’s slipcase open.

Deux petits êtres humaines – un homme et une femme aux traits réduits  – se rencontrent sur le plateau de l’existence. Ils apparaissent enfermés dans une petite boîte en métal, une boîte aseptique et sourde aux beautés qu’ils ont en puissance. Mais, nonobstant les jambes lâches, ce sera un bond qui ouvrira l’étui de leur carillon.

Di e con: Michele Bandini
Live electronics: Giampiero Stramaccia
Regia di: Michele Bandini
Struttura in legno di: Mael Veisse
Produzione realizzata con il contributo di: Regione dell’Umbria, Fondazione Cassa di Risparmio di Foligno, Associazione Zoe

Si ringraziano: Santarcangelo dei Teatri 2011, Armunia,Fontemaggiore, Indisciplinarte, Viaindustriae, Comunanza Agraria di Sant’Eraclio

Dom 18 Settembre
H 19:00
Studio1
Durata 50 min.

TARIFFA M

Un viaggio, dal prenatale al post mortem, un cammino solitario, onirico, sospeso tra il sonno e la veglia. Un lavoro acustico, sonoro e vocale, che gioca con apparizioni e sparizioni, ombre e luce, frastuono e silenzio che nasce da una solitudine, da un’assenza. In un universo ispirato all’immaginario di Samuel Beckett. Un attore, un musicista, cinque microfoni e due lampadine. Il risultato è un radiodramma dal vivo, un monologo visivo e acustico che sonda il potere evocativo della parola tecnologica, amplificando lo spazio teatrale fino a renderlo luogo di risonanza.

Michele Bandini, attore e regista di Foligno, ha lavorato come attore diretto da Marco Martinelli, Maurizio Lupinelli, Gigi dall’Aglio, Butch Morris. È il co-fondatore della compagnia ZoeTeatro con cui ha realizzato spettacoli prodotti dal Teatro Stabile dell’Umbria, dal 2005. Ha co-diretto la prima messa in scena italiana del testo The Infant di Oliver Lansley. È guida della Non-Scuola ravennate dal 2004. Ha partecipato a radiodrammi per Radio Due Rai e per RTSI (radio svizzera).

An actor, a musician, five mikes and two lamps. An acustic mix of sound and voice playing on appearances and disappearances, lights and shadows, noise and silence. The work comes from loneliness, from an absence. The result is a live radio play, a visual and acustic monologue which examines the evocative power of the technologic word by boosting the theatrical space till it becomes a place of resonance.

Un acteur, un musicien, cinq microphones et deux ampoules. Le résultat c’est un radiodrame sur scène, un monologue visuel et acoustique qui sonde le pouvoir évocateur de la parole technologique, en amplifiant l’espace théâtral jusqu’à en faire un lieu de résonance.

In collaborazione con: Ass. Cult. Zoe, Ass. Culturale Lemuri
Con il sostegno e contributo di: Regione Umbria, Comune di Foligno, Teatro San Carlo, Fondazione Cassa di Risparmio, Indisciplinarte
In scena: Emiliano Pergolari, Marta Pellegrino
Regia: Emiliano Pergolari
Ideazione: Emiliano Pergolari, Simone Gallinella
Selezione Drammaturgica: Emiliano Pergolari, Simone Gallinella, Marta Pellegrino
Occhio esterno: Simone Gallinella
Musica di: Michele Branca
Riprese versione integrale: Tommaso Muzzi

Si ringraziano per la preziosa collaborazione: Mario Salvucci Jewerly, Palazzo Bontadosi, Maschere Nives Storci, Paoletta Majuri, Antonella Pinelli, Daniele Morici, Alessandro Sesti, Caterina Gentili, Emma Tramontana, David Rinaldini, Compost Creativo Valtorto

Merc 21 Settembre
H 21:15
Studio1
Durata 50 min.

TARIFFA M

Tutto inizia quando tutto è finito.
Salomè è un corpo morto.
Il nuovo giocattolo del Tetrarca.
Che improvvisandosi santo, profeta, se la canta e se la suona dando forma ai suoi incubi più fetenti di cui egli stesso è vittima. Propri queste ossessioni notturne resuscitano Salomè, anch’essa in balia dei propri capricci, dei desideri più alti e dei sogni più perversi. La storia penosa di due marionette che si dibattono all’interno della propria disperata condizione pur consci dell’impossibilità di uscirne.

La Compagnia Lemuri nasce da pochi mesi, il primo gennaio 2011, con l’intento di costruire un percorso creativo e artistico innovativo, proseguendo la strada intrapresa dalla Compagnia Zoeteatro e dall’ Associazione Zoe, con la quale collabora. All’attivo, nel 2011, il Paracarro, performance istallazione scenica per le Vie del Carnevale a Sant’Eraclio, Foligno (PG), Tarot’ s Suite, installazione performance sul tema dei Tarocchi che ha debuttato al Festival Canti e Discanti a Luglio 2011 a Foligno. Fra i progetti in fase di realizzazione, Ludus, spettacolo per cui si prevede il debutto all’interno del Festival Segni Barocchi 2011, e Salomè Suite, lo spettacolo che per il quale si sta realizzando un trailer.

It all starts when all is finished. Salome is a dead body. The new toy of the Tetrarch. Improvising saint, prophet, he sings and plays with an harmonium, giving shape to his fetid nightmares in which he himself is a victim. Just these obsessions resurrect Salome, also at the mercy of their whims, desires and dreams higher than perverse. The painful story of two puppets that are being debated within their desperate condition even aware of the impossibility of getting out.

Salomè est un corps mort. Mais les obsession nocturnes du Tétrarque ressuscitent Salomè, qui est elle-même à la merci de ses propres caprices, de ses désirs les plus hauts, de ses rêves les plus perverses. L’histoire pitoyable de deux marionnettes qui se débattent à l’intérieur de leur condition désespérée, quoique conscients de l’impossibilité d’en sortir.

Produzione: Deja Donne e En-knap
Regia e coreografia: Simone Sandroni
Creato ed interpretato da Martina La ragione, Vladimir Ilich Rodrigues Chaparro, Tina Runko, Gyula Cserepes, Luke Dunne, Ana Stefanec, Tamas Tuza
Disegno luci: Arnaud Poumarat, Tomiko Arai e Omar Ismail
Scenografia e costumi: Lenka Flory
Suono e musiche: Drago Ivanusa
Partners, supporters e co-produttori: Ludwig – Maximilian University Monaco, Universita degli Studi Perugia, Theater im Pfalzbau Ludwigshafen, Nationales Performance Netz Foundation, Dance 2010 Monaco, Muffathalle Monaco, Teatro Stabile dell’Umbria, Duncan Centre Conservatory Praga, Emanat Institute Lubljiana

Dom 25 Settembre
H 21:00
Teatro Secci
Durata 70 min.

TARIFFA M

L’obiettivo dichiarato è contenere il potenziale superumano, progettato per rialzarci dalle nostre vite comuni e avvicinarci ai nostri ideali. Eppure spesso sono proprio i nostri fallimenti, le nostre tragedie e i momenti in cui cadiamo che ci rendono degli eroi. In questo cast ci sono Supereroi con buonissime intenzioni, che sono a volte sfortunati, goffi o forse semplicemente umani. Not Made for Flying vive di questa bellezza della tensione tra eroe e umano.

La compagnia DEJA DONNE è stata fondata a Praga nel 1997 da Lenka Flory e Simone Sandroni. Negli ultimi dieci anni Flory e Sandroni hanno creato, insieme con i loro collaboratori, alcune fra le più vivaci, divertenti ed efficaci produzioni di danza accessibili ai pubblici europei e oltre. Ogni produzione dei DEJA DONNE, non importa di quale dimensione, si distingue per una assoluta onestà di intenti. Il loro lavoro possiede una rara profondità di sentimenti ed una indiscutibile intelligenza emotiva. In fondo, DEJA DONNE si serve del movimento e dei personaggi per svelare questa enorme astrazione che è la condizione umana.

www.dejadonne.com
www.en-knap.com

Our goals, aims and intentions contain superhuman potential, designed to lift us up out of our pedestrian lives and bring us closer to our ideals. And yet, our failures, our tragedies, and the moments we fall are perhaps the most heroic of all. With a cast of Superheroes with very good intentions who are sometimes unlucky, clumsy, or maybe just human. Not Made For Flying finds the beauty within the tension between hero and human.

Le but déclaré c’est de limiter le potentiel superhumain, conçu pour que nous nous émancipions de nos vies ordinaires et nous nous rapprochions de nos idéaux. Et pourtant, souvent ce sont exactement nos échecs, nos tragédies et nos moments de chute qui nous rendent héroïques. Dans ce cast il y a des Super Héros avec de très bonnes intentions, qui sont parfois malheureux, maladroits ou simplement humains. Not Made for Flying vit de la beauté engendrée par cette tension entre ce qui est héroïque et ce qui est humain.

Progetto e produzione di: Viaindustriae
con: Emanuele De Donno, Luca Pucci

Sab 24 / Dom 25 Settembre
> H 22:30
Prua Ponte Carrara

TARIFFA G

ADD/agenzia Dancing Days è un progetto sociale, un gruppo di giovani anziani che eseguono coreografie di balli di gruppo su brani di musica elettronica. Tutto si articola come una vera e propria agenzia che promuove una tourneè in discoteche, locali da ballo, sagre e festival. Da ormai quasi due anni gli autori seguono quotidianamente le lezioni presso una scuola libera della Terzà età, vivendo il ballo immersivamente. Il programma prevede un workshop partecipato sul ballo di gruppo preliminare all’azione performativa. Con la guida di Peppe, Tiziana, Alfredo, Salvatore, Catena… e Luca Pucci si terrà un mini corso di ballo specifico sull’incontro tra i passi tradizionali del liscio e il ritmo della musica elettronica: le iscrizioni sono aperte!!

VIAINDUSTRIAE è un collettivo che si occupa di linguaggi del contemporaneo, creatività e nuove forme della comunicazione, sviluppando numerosi progetti artistici collaborativi che interagiscono con il tessuto sociale spesso in forma di happening e relazione con lo spazio pubblico. Tra i progetti di dimensione ambientale, da ricordare: manufatto in situ, laboratorio nel paesaggio Cancelli con le recenti collaborazioni con Tania Bruguera, Kinkaleri e A Constructed World. Tra gli interventi nello spazio pubblico ci sono THIS IS NOT THE END /un balletto di automobili nell’epi/Centro del Mondo con Florian Dombois, una performance-happening site-specific, Auto-balletto, una coreografia di automobili adattata alle sonorità della terra. Viaindustriae ha inoltre realizzato il laboratorio Derive Urbane / CAMPO nomade svolto con una serie di laboratori ed eventi concatenati per una parata carnevalesca.

www.viaindustriae.it

ADD/ Dancing Days agency is a social project in which several young elderly people dance group choreographies on electronic music. They perform like a real agency which promotes a tour in discos, ballrooms, festivals and feasts. The authors have been attending dancing lessons every day for already two years in a free school for elderly people. Theirs is a real full-immersion in the dance. The program schedules a preparatory workshop on group dancing prior to the performance itself.

ADD/agenzia Dancing Days est un projet social, un groupe de jeunes âgés qui exécutent des chorégraphies de danses de groupe sur des morceaux de musique électronique. Tout s’articule comme s’il s’agissait d’une véritable agence qui promeut une tournée dans des boîtes, des salles de bal, des fêtes et des festivals. Chaque jour, depuis presque deux ans, les auteurs suivent des cours de danse chez une libre école du Troisième âge, en vivant la danse d’une façon totalisante.

Di: Shayma Aziz

VEN 16 Settembre H 22:00
SAB 17 Settembre H 17:30
Sala Carroponte

Durata 5 min

TARIFFA XS
comprende l’ingresso a tutti gli spettacoli del progetto MINIATURES

Love Dance è una breve animazione in stop motion creata frame per frame con disegni a carboncino su carta. Racconta l’arduo dilemma di due innamorati che non riescono a esprimere i loro sentimenti, perché si interrompono ogni volta si trovino sul punto di uscire allo scoperto, afflitti da vergogna e senso di colpa. Ogni sequenza fonde il desiderio di uscire allo scoperto mostrando la relazione e l’esistenza di ostacoli che impediscono il compimento delle azioni. Il video riflette i costumi di una città come Il Cairo nell’espressione sentimenti privati. Dove la restrizione, la censura, la colpa e la vergogna sono elementi costanti nella vita di tutti i giorni, questi aspetti vengono metabolizzati nel comportamento stesso delle persone.

Shayma Aziz è un’artista visiva che vive e lavora e El Cairo. Ha conseguito una laurea in pittura alla Faculty of Fine Arts di Luxor nel 2004 e ha già realizzato moltre mostre personali come Floating Over the Cairene Sky, Women in Black alla Zico House di Beirut e Contrast in Still Motion at the American University di El Cairo 5th Floor Gallery . Attualmente sta sperimentando il linguaggio del video con i suoi nuovi progetti Anxiety e Take me Back to Cairo — Remake  del 2010 e Love Dance del 2011.

Love Dance is a 5 minutes stop motion animation film. Created with frame by frame drawing with charcoal on paper. It stresses on the dilemma of two lovers that long to express their affection physically, but always halt right in the middle, because of their own feelings of guilt and shame. The film only pictures a certain state of expressing love in a city like Cairo. Where restrictions come to be a very present element in the daily life. Confusion, shame, guilt and self censorship become a normal kind of behaviour.

Love Dance est une brève animation en stop-motion créée image par image avec des dessins au charbon sur papier. Cette animation raconte le dilemme de deux amoureux qui n’arrivent pas à exprimer leurs sentiments, car à chaque fois qu’ils sont sur le point de se déclarer ils s’arrêtent, accablés pas la honte et le sentiment de culpabilité. La vidéo reflète les coutumes d’une ville comme Le Caire par rapport à l’expression des sentiments privés, où la restriction, la censure, la culpabilité et la honte sont des éléments constants de la vie de tous les jours, métabolisés dans le comportement de chaque individu.